- Mis on teatri päritolu ja ajalugu?
- Teatri kreeka päritolu
- Mitte-lääneliku teatri päritolu
- Liturgiline draama ja keskaegne teater
- Jaapani teatri õitseaeg
- Renessansi teater ja commedia dell'arte
- Sissepääs modernsusse
- 20. sajand ja kaasaegne
Selgitame teatri teket ja ajalugu erinevates maailma paikades, iidsetest aegadest tänapäevani.
Mis on teatri päritolu ja ajalugu?
The teater, kunstiline žanr, milles kirjandust (dramaturgia) ja etenduskunstid (teatrilavastus), on üks ajaloo vanimaid kunstilise väljenduse vorme. inimkond.
Kuigi selle päritolu ulatub tavaliselt tagasi Antiik Lääne klassika, tõde on see, et peaaegu kõik iidsed kultuurid neil oli mingisugune teater või väga sarnane vaatemäng, millega nad oma noori harisid, nende poole palvetasid. jumalad või mäletas neid müüdid põhiline.
Esimesed, kes mõistsid teatrit kui kunstiliiki omaette ehk "draamakunstina", olid aga vanad kreeklased 6.–4. sajandil eKr. c.
Vanad kreeklased tähistasid teatud rituaalid religioosne veini- ja viljakusejumala Dionysose auks, tuntud kui bakchanalia. Nendes riitused a tantsida ja transiseisundid olid normaalsed, aga ka teatav narratiiv ja lavastamine alusmüütidest ning viimane oli see, mis andis aluse teatrile.
Teatri kreeka päritolu
See tekkis 6. sajandil eKr. C. tänu Dionysose preestrile, nimega Thespis, kes tegi rituaalidesse olulise muudatuse: a dialoogi mida ta pidas koos kooriga igal festivalil.
Nii sai Thespisest esimene lavanäitleja. Tegelikult on III sajandi kroonikate järgi a. C. Thespis ise võitis 534. aastal eKr Ateenas peetud esimese teatrivõistluse Kreekas. c.
Edaspidi muutusid Dionysose auks peetavatel festivalidel väga levinud teatrivõistlused, mis kestsid tervelt neli päeva ja kasutasid Dionysose kuju ümber vaheseintega puitkonstruktsioone nii orkestrile, publikule kui ka lavale.
Kogu 5. ja 4. sajandil eKr. C. Kreeka teater õitses ja sai sõltumatuks jumalateenistus religioosne. Kuid see oli jätkuvalt Kreeka ühiskonna mehhanism noorte koolitamiseks religioon, mütoloogia ja klassikalised kodanikuväärtused.
Sel ajal kerkisid esile kolm suurt kreeka näitekirjanikku: Aischylos (525–456 eKr), Sophokles (496–406 eKr) ja Euripides (484–406 eKr), ulatuslike traagiliste näidendite kogumi autorid, mis käsitlesid suuri kreeka müüte. Koos nendega vohasid suured Kreeka koomikud nagu Aristophanes (444–385 eKr).
Teater oli Kreeka kultuuris nii tähtis, et filosoof Aristoteles (384-322 eKr) sai neilt inspiratsiooni kirjutada inimkonna ajaloos esimene draamakunsti traktaat: Poeetika aastast 335 eKr c.
Samamoodi oli see nii oluline tolleaegse Vahemere piirkonna jaoks, et Rooma kultuur võttis seda eeskujuks ja inspiratsiooni oma teatri arendamiseks 2.–3. sajandil eKr. C. Nii tekkisid sellised kuulsad autorid nagu Plautus (254-184 eKr) ja Terence (185-159 eKr), kelle mängib need olid osa Rooma kultuuri palju suuremast sündmusest: Rooma mängudest jumalate auks.
Roomlased lülitasid oma kultuuri ka kreeka dramaturgilise pärandi, säilitades selle ladina keeles palju hilisematele lugejatele.
Mitte-lääneliku teatri päritolu
Iidsetel aegadel olid ka maailma idaosas, eriti India iidses kultuuris, rikkalikud teatritraditsioonid. India teater kasvas välja religioossetest ja tseremoniaalsetest tantsudest.
See teater omandas ametliku uurimuse umbes 4. ja 2. sajandil eKr.C., otsustades selle järgi Natia-šastra, iidne hinduistlik traktaat tantsust, laulust ja draamast, omistatud muusikateadlasele Bharata Munile (kuupäevad pole kindlad). See töö uurib eelkõige India klassikalist teatrit, sanskriti kirjanduse tipphetki.
Sellises draama kangelasena esinesid väga stereotüüpsed tegelased (nayaka), kangelanna (nayika) või kloun (vidusaka), keset mütoloogilisi ja religioosseid lugusid jumalate päritolust. Etendus koosnes rohkem kui midagi näitlejate tantsust ja dialoogist, riietatud ja grimeeritud, kuid ilma lava ja dekoratsioonideta.
India teatrit harrastati pikka aega peaaegu katkestuste ja muutusteta, saavutades haripunkti 3.–5. sajandil pKr. Selle traditsiooni kaks suurt dramaturgi olid Sudraka (3. sajand pKr) ja Kalidasa (4.-5. sajand pKr), viimane suurte armastusnäidendite autor.
Teine oluline mitte-lääne traditsioon, Hiina teater, sai alguse umbes 6. sajandil eKr. C. See koosnes peamiselt tantsudest, akrobaatikast, miimidest ja rituaalsetest aktidest ilma määratlemata žanrita.
Näitlejad, kõik mehed, võisid mängida erinevat tüüpi stereotüüpseid rolle, olgu nad siis mehed (sheng), naiselik (nii), koomiksid (chou) või sõdalased (ching). Paljudel juhtudel kasutati maske ja meiki.
Hiina traditsioon inspireeris sarnaseid versioone Jaapanis ja teistes Kagu-Aasia riikides, mis õitsesid hilisematel sajanditel ja mida läänes tunti alles peaaegu üheksateistkümnendal sajandil.
Liturgiline draama ja keskaegne teater
Pärast langemist Rooma impeerium, kaotas teater läänes oma vana populaarse ja usulise tähtsuse: see on tingitud sellest, et kristlus lükkas pärandi tagasi paganlik kohta Euroopa ja ta tegi kõik endast oleneva, et eristuda ja sellest traditsioonist eemalduda. Kuid 10. sajandiks olid kristlik liturgia ja ülestõusmispühade tähistamine kristliku kultuuri kesksed sündmused ning neid esitati suure hiilguse ja maastikuga.
Seega, aastal keskaeg tekkis liturgiline teater, mis reprodutseeris kristliku mütoloogia tähtsamaid stseene, näiteks Maarja Magdaleena külastust Jeesuse Kristuse haua juurde. Sellega sündis hilisema kristliku dramaturgia rikkalik traditsioon.
Umbes 11. ja 12. sajandil hakkasid paljud Prantsuse kloostrid lavastama piiblilugusid väljaspool templit asuval platvormil, samuti loobuti ladina kultusest, et kasutada rahvakeeli, mis on inimestele lähemal. Levinud oli Genesise või Apokalüpsise lavastamine või pühakute piinatud elu, näiteks püha Apollonia või Püha Dorothea oma.
Kuna need teatritoimingud muutusid keerukamaks, hakati neid eksponeerima ujukitel või liikuvatel lavadel, et viia liturgia ja kiriklik lugu riigi erinevatesse nurkadesse. See oli eriti populaarne Hispaanias ja nad said tuntuks nime all Sakramentaalsed autodst armulauadraamad.
Samasuguseid üritusi korraldati sel ajal Inglismaal, eriti ajal Corpus Christi, ja muutusid populaarseteks teatrivormideks, mis olid levinud kogu Euroopas kuni 16. sajandini.
Sellest ajast peale kerkisid esile tema peamised taunijad: protestantlikud puritaanid, kes mõistsid hukka tema esitustes domineeriva huumori ja hulljulguse, ning humanistid Renessanss, kes nägi halbade silmadega oma kergemeelsus ja selle seos teatud keskaegse traditsiooniga, millest nad püüdsid lahku lüüa.
Seetõttu keelati paljud neist teostest Pariisis ja protestantliku Euroopa maades, samal ajal kui need õitsesid vastureformatsiooni Euroopas, peamiselt Hispaanias. suurepärased autorid barokk Hispaanlasi nagu Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) ja Calderón de la Barca (1600-1681) peetakse sakramentaalse akti suurimate autorite hulka.
Jaapani teatri õitseaeg
Vahepeal kristalliseerus 14. sajandi Jaapanis esinemiskultuur. Shinto tantsude ja budistlike rituaalide pärija, nii oma kui ka Hiinast ja teistest Aasia rahvastest kopeeritud Jaapani teater astus oma olulisemad sammud.
Sellest ajast peale astus oma esimesi samme kolm suurt tendentsi:
- Noh ja kyogen teatri rafineeritud lüüriline draama.
- Bunraku kirjanduslik nukuteater.
- Hiljem kabuki teater, kodanluse dramaatiline vaatemäng.
Noh teater tekkis Kyotos 1374. aasta paiku shogun Yoshimitsu eestkoste all, alustades Jaapani feodaalide tähtsat teatripatronaaži traditsiooni.
Enamik selles stiilis teoseid, mida esitasid lõpmatu graatsilisuse ja rafineeritusega meesnäitlejad väikese koori saatel, kirjutasid järgnevatel aastakümnetel Kanami Motokiyo, tema poeg Zeami Motokiyo ja hiljem viimase väimees, Zenchiku. Alates 15. sajandist on Noh teatri jaoks kirjutatud vähe uusi näidendeid.
Võib-olla sel põhjusel 16. sajandi poole Jaapani teatri panoraam langes. Sellele tuleb lisada 1629. aastal kõigi naistega esinevate teatrietenduste keeld, pärast seda, kui šintoist preestrinna O-Kuni ettekanded Kyoto avalikkuses segadust tekitasid.
Seetõttu tekkis 17. sajandi alguses tühimiku täitmiseks uus jaapani teater, mis peegeldas tolleaegseid uusi kodanlikke tundeid: Kabuki, edukas kohvikuteater, mis kasutas uhkeid seadeid ja viimistletud kostüüme, mille teoseid nad esitasid. pärines kirjanduslikust traditsioonist ja nukuteatrist.
Renessansi teater ja commedia dell'arte
Nagu paljudes teistes art ja teadmised, Renessanss Euroopa tähistas teatris ja dramaturgias enne ja pärast. Teosed muutusid loomulikumaks, kaotasid religioosse kohustuse ja päästsid nii Aristotelese teoreetilise pärandi kui ka iidsed müüdid ja klassikalised sümbolid.
aasta triumf kodanlus kui uus domineeriv ühiskonnaklass määras teatritundlikkuse muutuse ning peagi oli tunnistajaks uute žanrite ja stiilide sünnile, nagu Hispaania barokkteater ja inglise Elizabethani teater, mille traditsioonides esinesid sellised suured nimed nagu Miguel de Cervantes ja William. Shakespeare.
Uutest teatrivormidest oli aga olulisim itaalia Commedia dell'Arte, mis kerkis 1545. aasta paiku välja tänava- ja rahvateatri vormina, kuid mida esitasid professionaalsed näitlejad. Paljud teatrirühmad rändasid, liikusid linnast linna ja püstitasid ajutisi lavasid.
Seal nad esindasid tükke komöödia füüsilisi, teatraalseid improvisatsioone ja omatükke, mille tegelased nad olid kergesti ja kiiresti äratuntavad, kuna nad kandsid alati samu maske. Näiteks, püksid ta oli pompoosne ja pahatahtlik vanamees, kellele tehti nalja ja nalja tehti, samas Harlecchino oli nalja teinud ja julge sulane ja Pulcinelli ta oli kidur, küürakas peksmise spetsialist.
Edaspidi hakkasid dramaturgiat üha enam väärtustavas Euroopas populaarseks saama uued teatrivaatemängu vormid. The tragikomöödia sai populaarseks žanriks, omamoodi vahelüliks komöödia ja tragöödia. 17. sajandil tekkis ka ooper ning nn "itaalia stiil" levis üle Euroopa.
Selles samas kontekstis oli prantsuse teatril oluline buum selliste tuntud dramaturgide nagu Pierre Corneille (1606-1684) ja Jean Racine (1639-1699), suurte tragöödiate autorite ja eriti Jean-Baptiste Poquelini käe all. tuntud kui Molière (1622-1673), näitleja ja komöödiate, farsside, tragikomöödiate ja mõnede kuulsamate prantsusekeelsete teoste autor.
Sissepääs modernsusse
Järgmine suur muutus lääne teatritraditsioonis saabus koos Romantism saksa keeles, eriti Sturm und Drang XVIII sajandi teisel poolel.
Nagu teisteski kunstides, rõhutas teatriromantism sentimentaalsust ja dramaatilisust, vastandades 2010. aastal tekkinud ratsionalismile. Illustratsioon prantsuse keel. Ta eelistas tumedaid, salapäraseid teemasid, eriti neid, mis pärinevad populaarsest kultuurist ja folkloorist.
Pärand, mille jätsid 19. sajandi alguses sellised autorid nagu Wolfgang von Goethe (1749-1832) ja Friedrich Schiller (1759-1805), suurte dramaatiliste teostega nagu Faust või William Tell, oli inspiratsiooniks 19. sajandi alguses. uus žanr: melodraama, mis hõlmas muusikat, et rõhutada tegelaste emotsioone.
Alates käest natsionalism Euroopa, see uus stiil tabas peaaegu kõiki riike ja tootis tuntud teoseid ja autoreid, nagu Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla ja paljud teised.
Moodsa teatri rajamine toimus aga 19. sajandil, kui rajati realistlik teater, ratsionalismi võidukäik romantikute üle. Realism rõhutas vajadust naturalistliku teatri järele: reaalsetega sarnased võtted, usutavad esitused ja ilma suurejoonelise diktsiooni või žestideta.
Ootuspäraselt sündis realism valgustusajastu hällis Prantsusmaal.Oma ilmeka tipu saavutas see aga Põhjamaade autorite, nagu rootslase August Strindbergi (1849-1912) ja norralase Henrik Ibseni (1828-1906) sulest või isegi väljapaistva vene novellikirjaniku Anton Tšehhovi (1860- 1904).
20. sajand ja kaasaegne
Tormilise 20. sajandi saabumine tõi endaga kaasa eesrindlased, lakkamatu allikas uuenduslikkust formaalne ja esteetiline, millest sündis palju teatrikoolkondi Euroopas ja Ameerikas.
Üldiselt otsisid avangardid oma tegelaskujudes suuremat intensiivsust ja psühholoogilist sügavust, hülgasid kolm klassikalist aristotelelikku üksust ning hõlmasid sageli hukkamõistu ja poliitilist sõjakust. Lisaks tõusis tänu neile näitlejate ees esile teatrijuhi roll; filmirežissööriga võrreldav roll.
Avangardi teatriliikumisi on liiga palju, et neid tervikuna loetleda, kuid tähelepanu väärib ekspressionism, Bertoldt Brechti "eepiline teater", absurditeater, mis on seotud filosoofiaga. eksistentsialism ning Antonin Artaud, Eugène Ionesco ja Samuel Becketti teosed.
Lisaks mittevastavus ja kodanlusevastane meeleolu Vihased noored mehed: Harold Pinter, John Osbourne ja Arnold Wesker. Teised tolleaegsed suurnimed olid teiste seas Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán.
Alates 1960. aastast on kaasaegne teater püüdnud taasühenduda vaataja emotsioonidega, eemaldudes eepilisest teatrist ja poliitilistest sõnumitest. On palju teatriaspekte, mis püüavad lavalt eemalduda ja tuua teatri tänavale või kaasata publikut lavale või isegi kasutada toimumas või improviseeritud olukorrateater päriselus.